Итак.... Сеанс два.
Наверное, самый важный.
Как правило, на первом сеансе ты занят каким-то практическими вещами, компоновкой фигуры на холсте, нахождение пропорций, ну и успеваешь слегка наметить свет/тень на фигуре. На большее уже не хватает времени, да и технически что-то сделать трудновато, ибо краска еще сырая и при попытках писать детали мазок "тонет" в нижних слоях краски.
На втором сеансе приступаем уже к моделировке фигуры светотенью. Когда я говорю "фигура", я имею ввиду и голову тоже. И, да начинаем мы именно с неё, ибо в процесс работы над головой, стараясь добиться похожести, голова может чуть увеличиться или же, наоборот, стать меньше. Ну и фигура, соответственно, тоже станет больше или меньше. Понятно, что если мы начнем писать с фигуры, пропишем ее и лишь потом перейдем к голове, а она упсс - увеличится в размере, то будет неприятно. Это значит, что нам придется возвращаться обратно к фигуре и переделывать её. Обидно даже. Ибо двойная работа. Да и модель жалко, бедолаженька за зря сидела два часа. Краски опять же не казенные и денег стоят....
Что важно на втором сеансе? Не потерять то ради чего мы, собственно, и начали писать наше произведение. То, что мы искали в набросках - пластику. Да, живопись и графика это разные вещи. Ооочень сильно разные вещи, с разными выразительными средствами. Какие выразительные средства в графике? Линия. Линия, линия, и еще раз - линия. Именно красивая замкнутая линия и дает нам силуэт. В живописи линия отсутствует как таковая. В живописи одна цветовая плоскость касается другой цветовой плоскости. Или, как еще говорят, пятно. Плоскость(пятно) может быть большой, плоскость(пятно) может быть маленьким. Плоскость (пятно) имеет свою форму. Много-много плоскостей(пятен) касающихся друг друга создают живописную поверхность. Между плоскостями нет границ. Нет линий. Живописец таким образом подбирает цвет и тон этих плоскостей(пятен), чтобы создавался эффект плавного перехода от светлого к темному. Это и называется моделировка светотенью. А плоскости(пятна) не что иное, как мазки. В идеале, не должно быть двух одинаковых мазков, каждый мазок должен хоть на чуть-чуть, на какую-то малюсенькую, тонюсенькую градацию отличаться от соседнего.
Ну и самое главное - живопись это цвет. В первую очередь - цвет, во вторую - тон.
И как нам с помощью мазков, цветом, тоном, передать пластику фигуры найденную в набросках!?
Как, как.... А чёрт его знает 😅😂😂😂 Это как переводить стихи с одного языка на другой. С японского на церковнославянский. Но тем не менее... Пластику модели как-то показывать надо. Тут имеет значение форма мазков, их направление. Как-то так, наверное..
Почему второй сеанс самый важный? Именно на втором сеансе становится понятно, "идёт " работа или "не идёт". Как это "идет" или "не идёт"? Тут все сложно. Тонкая материя..... Примерно, как с переводом японских стихотворений 😅 Так что думаю, посвятим этому отдельный пост. Ну а пока,наслаждаеся видео, смотрим постнатурные фотки, проникаемся процессом. Продолжение следует😉