Японцы верят в Эн - таинственную силу, которая соединяет каждого из нас с другими людьми. Живя сегодня часто чувствуется, что теряется связь с реальностью, людьми и природой.
Искусство гармоничной жизни позволяет обрести душевное равновесие, ценить настоящее и понять истинный смысл существования.
1. Гармония
Гармония - духовное единение, которое мы обретаем через умиротворение, принятие и скорее асимметрию, чем совершенство. Умение сохранять в душе мир и порожденное этим чувство умиротворения японцы называют Ва. В отличии от Ва есть слово Хэйва означающая примирение сторон и достижение согласия.
2. Красота
Красота - умение ценить утончённость недосказанности и благоговение перед тем, что эфемерно. Кроме Ваби-саби, означающим красоту несовершенства, японцы отличают раскрывающуюся со временем красоту, называя её Сибуи и красоту в простоте, называя её Кансо.
3. Природа
Природа - философия которой вызывает одновременно восхищение и благоговейный трепет, восторг и ужас. В основе японского отношения к жизни и смерти лежит глубокая концепция мудрости, позволяющая видеть красоту и в печальном, обозначая такую красоту словом Моно-но-аварэ.
4.Осознанность
Осознанность - раскрытие своего потенциала, осознание своих мотивов и обучение внутренней сосредоточенности. Кроме понятия Икигай или то, ради чего живём и Кайдзен, как стремление к постоянному улучшению, есть слово Катати, обозначающее чувство формы и заложенный в нее смысл и Кодавари, обозначающее внимание к деталям.
5. Признательность
Признательность - вдумчивое, честное и скромное действие, благодарность. Слово Хансэй обозначает осознание себя, поиск возможности сделать следующий шаг.
6. Время
Время - существующее в природе цикличность и ценность настоящего момента. Ценность молчания, которое позволяет остановиться до принятия решения о действии и обдумывание обозначают Мугон-но-гё, а под словом Энре понимают вдумчивые сомнения и умение не поддаться первому порыву.
7. Уважение
Уважение это когда жизненными принципами является скромность, почтение и добрая память как к живым, так и к предкам. От слова Моттай, обозначающим "так, как должно быть", произошло слово Моттаинай, обозначающее сожаление о бессмысленном расходе чего-либо и отказ от расточительности.
Эта публикация родилась после прочтения книги Мари Фудзимото "Японское искусство гармоничной жизни". Целью было показать, насколько многозначным может быть язык.
Однако, мысли унесли дальше и по пути "прихватили" работы некоторых японских мастеров, цели и замыслы которых простираются далеко за грань человеческой жизни. Предлагаю полюбоваться работами Каору Кей Акихара, Kunio Nakajima, Rui Kikuchi, Йоко Дой.
Каору Кей Акихара
Каору Кей Акихара родилась в 1944 году, в семье, представляющей один из древнейших аристократических родов Японии, состоящий в родстве с императорской семьей. Получив разностороннее образование, в том числе, в области традиционных японских искусств, в Японии эстетика доведена до абсолютизма, потому знания в области флористики, рисования, искусства чайной церемонии являются нормой, Каора в 1974 году основывает маленькую студию Gimo Trading. Через десять лет, в 1984 году, Каора открывает креативное подразделение, выбрав имя Gimel, а с 1991 года свою историю начинает ювелирный Дом Gimel.
- В 2000 году Sotheby's признал Каору Кей Акихару «одним из самых революционных и влиятельных ювелиров 21-го века».
Каору говорит: «Gimel пытается ухватить красоту природы в ее лучшие моменты, до того, как жизнь начнет ее покидать».
Цель Каоры Кей Акихары - создавать эстетическое и вечное для будущего мира, в котором есть время для тихого созерцания, а каждый день дарит вдохновение.
Gimel никогда не работает с металлом, который уже раньше использовался, только с совершенно новым, а каждый драгоценный или полудрагоценный камушек, для всех украшений, рожденных в Gimel, Каору Кей Акихара подбирает лично. Именно такой подход в создании ювелирных шедевров наиболее полно передает философию Gimel, считает Каора, и достигается полное соответствие замыслу и общему духу компании.
Kunio Nakajima
Японский Рене Лалик - так называют Кунио Накадзима. Кунио Накадзима не скрывает, что его изделия из коллекции “В саду” вдохновлены шедеврами великих мастеров эпохи Ар-нуво, такими как Лалик, Фаберже,Тиффани, Галле. Техника исполнения - старинная, японская “сиппо” 19 века, с помощью которой можно, используя разные добавки, получать из кремния стекло или эмаль. Кунио Накадзима работает в классическом японском стиле “изменчивости мира” укие-э.
Накадзима родился в 1955 году в семье ювелира, в совершенстве изучил ювелирное искусство, начав свою карьеру простым подмастерьем в студии дизайнера Тихо Тамия и закончив известным мастером, основателем собственной компании Nick`s Factory, в которой работал целый коллектив талантливых ювелиров.Первая коллекция Кунио Накадзимо вышла в 1996 году и была посвящена природным ландшафтом родного региона Синсю.
Rui Kikuchi
Руй родилась в Киото в 1982 году, переехала в Сидней со своей семьей в 1988 году и провела годы своего становления в Австралии и Японии. В 2004 году окончила Сиднейский колледж искусств Сиднейского университета и после получения диплома Руи вернулась в Японию, где в 2007 году поступила в ювелирный колледж Итами в префектуре Хёго. С 2007 года она активно выставляется в Японии и Австралии и создает работы в своей студии в Киото. Три произведения японского художника-ювелира из Киото Руи Кикути представлены на выставке «Сдвиги в японской материальности» в Японском фонде в Сиднее.
Воздушные морские цветы из PET (полиэтиленатерефталата — это такой термопластик) и серебра поражают своей легкостью. Высказывание художника: "Манипулируя таким обильным материалом в человеческом мире, как ПЭТ-бутылка, моя цель состоит в том, чтобы рассмотреть обыденный объект и распознать в нем красоту. Проявляя наше смирение, чтобы видеть ценность в этих материалах, я надеюсь, что мы уменьшим небрежное использование товаров, и это может привести нас к испытанию чуда в повседневной жизни.". Все работы созданы в течение 2010 и 2011 годов и изготовлены из ПЭТ (полиэтилентерефталата), одноразовых бутылок для напитков и серебра и окрашены с использованием синтетических тканевых красителей.
Вдохновленная стихотворением Майи Энджелоу «Still I Rise», «Takumashi-sou» представила собой серию брошей сделанных в японской технике создания узоров киригами для отражения абстрактных растительных форм, которые обычно называют «сорняки». Эти «сорняки», растущие на тротуарах, между камнями или на полях, являются яркими примерами в природе, которые демонстрируют упорную волю к жизни, процветая даже с самыми скудными ресурсами. Каждое изделие сопровождает эпизод из жизни Руи Кикути, где скромное растение научило ее быть более устойчивой и интроспективной. Броши окрашены в текстильной технике «Нисидзин-Хикихаку», используемой для «оби» (поясов кимоно).
Помимо этого Руи Кикути делает изящные некрупные украшения из серебра и камней.
Йоко Дой и ее феерические кружева из стекла
При помощи газовой горелки японская мастерица больше 20 лет создает уникальные работы.
Йоко Дой родилась в префектуре Хёго. Художница творит филигранное кружево из стеклянных нитей, подмечая и повторяя волшебство природы. Её слова о своём творчестве: "Я создаю природные объекты, такие как растения, минералы и насекомые, используя стекло. Стекло – очень прочный материал." Стеклянные изделия, найденные в древних руинах, а также организмы, скелеты которых состоят из компонента, похожего на стекло (кремний), подробно рассказывают нам о своей форме даже по прошествии сотен миллионов лет. Эти формы древнее, чем человеческая культура. Йоко воплощает в стекле всё самое прекрасное, что видит вокруг.
- работы из боросиликатного стекла, автором которых является Йоко Дой из Японии.
"Каким бы искусным не был человек, воссоздавая природные образы, он никогда не приблизится к истинной красоте окружающего мира, но я продолжаю пытаться передать в своих работах хотя бы отблеск той красоты, которую вижу..." - говорит она.
Йоко увлекается философией, рассуждая в том числе о внутренней природе человека, добре и зле. «При помощи своих произведений я стараюсь изо всех сил выразить то, что чувствую себя «хорошей», — и тут же задается вопросом: «А что такое думать, что я действительно хороший?».
На взгляд художницы, самое важное при создании произведений искусства — честность с самой собой. «Я хочу отразить в своих произведениях элементы и структуру объектов, которые кажутся мне «хорошими». Во всяком случае, создавая свои произведения, я надеюсь на это», — поясняет Йоко.
Очарованные Японией
Самой Японией были очарованы многие ювелиры. Японское искусство, ставшее популярным в Европе во второй половине XIX века, сыграло важнейшую роль в эволюции дизайна ювелирных украшений нового стиля. В 1878 году оно было представлено на Международной выставке в Париже, где японская графика покорила всех.
Французское ювелирное искусство буквально «впитало» в себя экзотическую образность. Для французских ювелиров, работавших в стилистике модерна, главным оказалось отношение японцев к природе, их связь с ней — спокойная чистота формы и свежая простота, так ценившиеся на рубеже веков.
Ювелиры, работавшие в стилистике модерна, вместо дорогих стали часто использовать простые материалы, но представлявшие богатые изобразительные возможности. В связи с этим расцвело искусство эмали, стали использовать янтарь, перламутр, полудрагоценные камни, черепаховые пластины и слоновую кость, неблагородные металлы и рог. Бриллианты чаще применяли для декора краев. Во многих случаях вместо цветных драгоценных камней использовали эмали, а камни подбирали таким образом, чтобы дополнять их. Облачноголубоватые лунные камни прекрасно подходили для передачи капель росы и других природных эффектов. Широко применялись жемчуг, халцедон, хризопразы и агаты. Очень популярным был пестрый опал, чьи нежные переливающиеся цвета будто появлялись и исчезали в живой молочной субстанции. «Мягкие, теплые» полудрагоценные камни были предпочтительны в отличие от холодного блеска бриллиантов. Гребни в виде бабочек и цветов, сделанные из рога, создали целое направление в моде.
Анри Вевер и японские гравюры
Анри Вевер (1854-1942), ювелир, живший в Париже и создававший замечательные украшения в стиле Ар-нуво. Его отец, Эрнест Вевер, покинул свой родной Мец в 1871 году, чтобы основать ювелирную фирму в Париже. В 1874 году оба его сына — Поль и Анри, стали партнерами в семейном бизнесе. Анри отвечал за творческую часть бизнеса. В 1881 году братья взяли на себя управление семейной фирмой. Их сотрудничество было настолько успешным, что они выиграли Гран-при на Всемирной выставке 1889 года в Париже за украшения с изображением цветов и животных в эмали. После этого впечатляющего успеха они стали постоянными участниками международных выставок, в том числе в Москве (1891), Чикаго (1893), Брюсселе (1897). В 1900 году компания получила второй Гран-при на Международной выставке в Париже за свои изысканные украшения в стиле модерн.
Ювелирные изделия в стиле модерн являются лучшим достижением Вевера. В его дизайне использованы типичные мотивы той эпохи: знойные женщины, цветы и фауна, а также мифические существа. Одним из знаменитых примеров является «Сильвия», кулон, изображающий статную женщину с внушительными крыльями бабочки. На рубеже веков дом Vever встал на один уровень с Lalique в создании украшений.
Как и многие современники, Анри Вевер обожал искусство Японии. Его внушительная коллекция гравюр служила вдохновением для художников, с которыми он дружил – например, Клода Моне. Период Первой мировой войны подточил финансовое благополучие множества людей, и Анри Вевер тоже испытал влияние кризиса. Он был вынужден продать свою великолепную коллекцию гравюр, которые в дальнейшем составили часть знаменитого собрания Токийского национального музея. После войны он снова начал собирать гравюры, однако его новая коллекция с трудом пережила уже Вторую мировую. Много лет о ней ничего не было слышно, однако в 1974 году ее значительная часть обнаружилась на торгах аукционного дома Sotheby's.
Люсьен Гайар и японские гребни
Современник Рене Лалика, Люсьен Гайяр (1861–1942) был французским ювелиром, работавшим в стиле ар-нуво. Родился в семье ювелиров. Его дед Амеде Александр Гайяр в 1840 году основал ювелирную фирму в Париже, которую затем передал своему сыну Эрнесту. Люсьен Гайар учился на подмастерье у своего отца, прежде чем в 1892 году возглавил семейный бизнес. Он получил приз за свои украшения на Всемирной выставке 1889 года.
Люсьен Гайяр был глубоко увлечён японским искусством. Он считал, что именно японские мастера достигли невероятных успехов в этом деле – а еще в работе с лаками и сплавами, также он работал с медью. Он сотрудничал с японцами, приехавшими работать в Париж, учился у них, искал способы патинирования кости и рога. В его мастерской работали художники, приехавшие из Японии, чтобы заниматься резьбой по слоновой кости и лаку. Самыми популярными изделиями зрелого периода его творчества стали гребни в японском стиле с растительными мотивами, изысканные, сложных форм и оттенков.
С юных лет Гайар был зачарован тайнами японских сплавов, патины и лаков. Он считал, что именно японцы достигли фантастического уровня обработки металлов, их колорирования – и нет, он не стремился их превзойти. Он хотел их понять.
О прекрасном
Мы не так много знаем о японской ювелирной культуре. Художественная культура Японии насчитывает много веков, она богата и разнообразна. Начавшись как подражание более развитой в древности культуре Китая, она создала свои собственные, национальные образы и символику. Для нее характерны лаконизм, асимметрия и целесообразность. В японском менталитете заложено любование великолепием родной природы. Поэтому все, что выходит из рук японского мастера, должно гармонично сливаться с ней и со всем повседневным бытом японца.
У японцев есть отличная национальная черта — острое ощущение инноваций, без страха всего нового и необычного. Также, у них есть навык - не жаловаться. При встрече с тобой они улыбаются и стараются сберечь нотку прекрасного, даже если в это время у собеседника не совсем красиво в текущей жизни. Японцы считают, что если не рассказывать о плохом, то в мире плохого станет меньше. Это способ остановить на себе разрушение и не пустить его дальше. Уникальный навык.
Возможно, создание таких тонких и изящных работ, которые наполнены нежной красотой и множеством смыслов, направлено на приумножение прекрасного.
Чем больше в мире красоты, тем меньше в нём места для чего-то несимпатичного.
...
PS: не всех мастеров можно рассмотреть в одной публикации и, да, я намеренно не включила Микимото.
Философия публикаций из серии "Мысли на лету" состоит в создании коротких статей на определённую тему или направление. Но есть темы, которые никак не могут уместиться в небольшой формат. Это тот самый случай.
PSS:…Как много дает нам жизнь, и мы не замечаем всей полности её даров. И только когда они отнимаются у нас, уходят, падают и предаются земле, мы с болью и отчаянием говорим: ”Вот это всё жило с нами, а мы и не видели, какое было у нас богатство.".
"Сначала меришь жизнь на дни,
Потом — на годы,
Потом узнаёшь, что они
Здесь непригодны,
Что начинается игра
В десятилетия
И четверть века так легка,
Как полстолетия.
И только под конец пути
От нетерпения
Опять начнёшь считать на дни
И на мгновения.
Как будто в комнату вошёл
И тут же вышел —
Вот и вся жизнь — зеркальный сон,
Цепочка чисел.
(Елена Тахо-Годи)